He de reconocer que mi visita a ARCO fue larga e intensa,
en cuatro horas que estuve, no me dio tiempo a ver la totalidad de la muestra
pero fue suficiente para salir saturado.
Al asistir el segundo día de la feria, era evidente el
ambiente profesional, de mercado de arte, mayor que otros años en los que
asistí un día de visitantes. Así que
pude presenciar el bullicio que genera el arte como producto, conversaciones
entre galeristas y coleccionistas, entre coleccionistas y artistas (aunque
pocos), e incluso entre los coleccionistas y sus secretarias.
Me sorprendió el identificar varias obras del artista
repartidas por diferentes galerías, prueba de una estética reconocible.
Las obras contemporáneas de artistas emergentes se mezclan
con otras de artistas ya maduros y reconocidos, que forman parte de la historia
del arte de la segunda mitad del siglo XX. Durante la visita no pude pararme
mucho a leer las cartelas informativas por lo que no fue hasta después, durante
la investigación, cuando fuí consciente de que
incluso algunas obras que había elegido estaban fechadas en 1960.
En definitiva, fue una buena experiencia que me mostró
varios referentes artísticos y tendencias actuales.
TÍTULO: Unstable Matter (Materia inestable), 2013
MATERIAL: Bolas de
hierro, aluminio, madera laminada, MDF, motores, unidad controladora, batería de coche y cargador.
TAMAÑO: 36x145x145cm
GALERÍA: Esther Schipper. Berlín/Alemania
DESCRIPCIÓN DE LA OBRA
Varios miles bolas de acero se han colocado en una
superficie grande de metal 150 x 150 cm, que
se inclina sutilmente de un lado a otro. Dependiendo
del ángulo de inclinación,
las bolas comienzan a
rodar a los bordes inferiores,
formando continuamente
cambiante patrones.
El sonido crepitante que emite generan calma en el
espacio expositivo y es similar
al sonido de un rompeolas marítimo.
LÍNEA DE INVESTIGACIÓN
Tecnología, sonido y luz son los materiales base del trabajo de Grönlund y Nisunen. Los artistas examinan
temas como el espacio y los fenómenos físicos. Sus instalaciones sofisticadas
suelen jugar con las leyes físicas de la naturaleza y explorar el sonido y el
espacio en un modesta , de forma de baja tecnología. Originalmente se formaron
como arquitectos, su examen del espacio
urbano/social y la naturaleza todavía constituye una gran parte de su trabajo.
Exploran la interpretación escultórica de la física
de fenómenos. Las fuerzas
fundamentales de la naturaleza tales como el magnetismo y la gravedad forman el
punto de partida de esta exploración
artística cuya fenomenología
constituye un uso minimalista de la forma.
BIOGRAFÍA
Grönlund-Nisunen son dos artistas Tommi Grönlund (1967) y Petteri Nisunen (1962) viven y trabajan
en Helsinki desde 1993. Tienen
formación de arquitectura.
WEBGRAFÍA
Entrevista a Tommi Grönlund and Petteri Nisunen por
Anna Ceeh:
INTERÉS PERSONAL
Mi interés surgió antes de ver la pieza. Estaba visitando
ARCO y desde lejos empecé a oir el crepidante sonido que emitía,
atrayéndome como polilla que va a la luz. La semejanza sonora con mi proyecto personal que
estoy llevando a cabo es notable y eso me hizo sentir satisfecho, al darme
cuenta que iba por el buen camino.
Me interesa sobretodo su estética minimal, una pieza sugerente
pero con gran atractivo que siempre mantenía a su alrededor un grupo de
visitantes. Usa tecnologías pero no las exhibe como fundamento de la obra, lo
que ocurriría si mostrasen los motores y mecanismos en lugar de ocultarlos en
la peana o base.
ARTISTA: Manuel Merida
TÍTULO: Cercles vitrals (Círculos vitrales), 2012
MATERIAL: Madera pintada, vidrio, motores, pigmentos, fuente de
alimentación.
TAMAÑO: De 80 a 120cm de
diámetro
GALERÍA: Espace Meyer Zafra. París/Francia
DESCRIPCIÓN DE LA OBRA
Estas obras, hechas de cajas de forma circular protegidas
por una placa de vidrio, están en continuo movimiento girando alrededor de un
eje central. Contienen pigmento monocromático. La materia orgánica se invierte creando formas renovadas en
el infinito. Así, Manuel Mérida utiliza el potencial de crear una obra en
perpetua transformación . Las imágenes formadas por la rotación de material
ofrecen un efecto calmante sobre el espectador que contempla .
LÍNEA DE INVESTIGACIÓN
Su trabajo se podría definir como el de un artista
cinético constructivista.
Desarrolla los conceptos
de "espacio y movimiento" sin perder su pasión por la materia y el gesto.
Su obra pretende evidenciar ciertas cosas existentes.
Apoyándose en fundamentos mecánicos o manuales para animar la obra en la que la movilidad y el
accidente crea situaciones siempre diferentes, como lo que ocurre a cada
instante en la naturaleza. En sus obras manipulables o motorizadas trata de introducir
el movimiento para evitar una fase fija y única, posibilitando un cambio
perpetuo para evidenciar la calidad de la materia y su comportamiento.
BIOGRAFÍA
Manuel Mérida (Venezuela 1939) estudió en la Escuela
de Artes visuales Arturo Michelena de Valencia, Venezuela
entre 1950-1958. Comienza a tratar
conceptos del arte cinético a partir del año 68 cuando llega a Paris por primera vez. Compagina su
trabajo artístico con la escenografía y el diseño publicitario (escaparatismo).
WEBGRAFÍA
INTERÉS PERSONAL
Me interesa su discurso sobre la aleatoriedad y el concepto
de movimiento perpetuo en sus obras para evitar su estanqueidad en “fase fija y
única”.
Como pretendo en mi propio trabajo, la yuxtaposición de
orden y caos está patente también en su obra; enmarcando las formas aleatorias
del pigmento en cajas circulares con movimiento uniforme.
Asimismo genera una interdisciplinaridad al emplear el
pigmento, materia esencialmente pictórica, como elemento escultórico y
cinético.
ARTISTA: Enrico Castellani
TÍTULO: Superficie Blanca, 2003
MATERIAL: Acrílico sobre tela.
TAMAÑO: 100x80 cm
GALERÍA: Torbandena. Trieste/Italia
DESCRIPCIÓN DE LA OBRA
El lienzo blanco presenta protuberancias rítmicas mediante
tensiones producidas por una estructura interna, crea efectos de luz y sombra
que cambian con la inclinación de la fuente de luz.
LÍNEA DE INVESTIGACIÓN
Castellani, junto a otros artistas como Agostino Bonalumi, se embarcaron en un
riguroso estudio y análisis de las posibilidades que ofrece la “estroflexión” del lienzo mediante el
uso de clavos, costillas y siluetas de madera y metal insertados detrás del
lienzo.
En 1959 hizo su primera superficie en relieve, dando lugar
a una poética que será su constante estilística y rigurosa; lo que los críticos
han llamado "repetición diferente“ de extrema pureza, donde la repetición cuidadosamente elegida
de llenos
y vacíos dados por los salientes
rítmicos del lienzo.
Desde entonces, su producción es bastante compacta y
coherente, pocas son algunas de las obras se desvían significativamente de
superficies de relieve, lo que revela mucho sobre los temas que interesan a Castellani como el tiempo , el
ritmo y el espacio.
BIOGRAFÍA
Enrico Castellani (Castelmassa 1930) es un pintor
italiano, considerado una de las figuras más prominentes del arte europeo
abstracto de la segunda mitad del siglo XX considerándolo como uno de los
padres del minimalismo. Estudió arte, escultura y arquitectura en la Ecole Nationale Supérieure de Bélgica hasta 1956,
cuando se graduó. Al año siguiente regresó a Italia, estableciéndose en Milán,
donde se convierte en activo exponente de la nueva escena artística.
En 2010 recibe el Praemium Imperiale de pintura, el máximo reconocimiento
artístico japonés a nivel internacional.
WEBGRAFÍA
INTERÉS PERSONAL
De la obra de Castellani me atrae el minimalismo rítmico y la geometría estructural
que presentan sus “esculturas”. Existe
en ellas una matemática intrínseca. Así como el dinamismo lumínico creado por
las luces y sombras. Un ejemplo de la efectividad de los pequeños gestos
resaltados por la limpieza de la composición.
ARTISTA: David
Medalla
TÍTULO: Sand Machine, 1964-2013
MATERIAL: Cobre y hierro cromados, arena, motor y bambú
TAMAÑO: 60 x 60 x 69 cm
GALERÍA: Baró. Sao Paulo/Brasil
DESCRIPCIÓN DE LA OBRA
Unas piedras unidas mediante un hilo metálico se mueven
circularmente sobre una superficie de arena generando unos surcos concéntricos.
La máquina
de la arena fue uno de los primeros
de sus muchas máquinas para crear cartografía pictórica, la caligrafía en
movimiento, borrado, redefiniendo y reinventando líneas sinópticas y caligramas en movimiento. En cinetismo hay una atracción obvia
hacia unidades estables e inestables.
LÍNEA DE INVESTIGACIÓN
David Medalla es un artista de múltiples disciplinas y
prácticas polimórficas. Se considera vinculado
con el land art, el arte
cinético, el arte participativo
y el Life art.
Sus obras muestran
desde máquinas que producen ríos espumosos y castillos de burbujas (los Cloud canyons o Nube
cañones) a otras que surcan la arena,
fueron las primeras esculturas de auto-creativa. Asimismo trata la práctica comunitaria de
la costura que atraviesa los continentes y generaciones - en el contexto de los
mil encuentros de un arte participativo - a la idea poética surrealista de todo
el mundo convirtiéndose en colibríes para componer tapices sonoros. Siempre
desde lo micro a lo macro.
“Todo mi trabajo es informado por la experiencia
personal. Es la semilla a la que aplico un diálogo trascendente. La
idea para mi primera máquina de burbujas se basaba en una combinación compleja
de muchos recuerdos.”
ARTISTA: David
Medalla
TÍTULO: Cloud canyons (Cañones de nubes) 1964 - 2013
MATERIAL: Tubos de metacrilato, jabón líquido y agua, bomba elétrica
TAMAÑO: 60 x 60 x 69 cm
GALERÍA: Baró. Sao Paulo/Brasil
DESCRIPCIÓN DE LA OBRA
Un dispositivo simple de
jabón líquido y agua, alimentados a través de diferentes columnas por un
pequeña máquina o bomba, en su sencillez y poder representa la máquina de la naturaleza. Presente y sin embargo
siempre a la implosión de fuga. En este trabajo se ha realizado la primera
escultura cinética auto-creativo. Las burbujas son conocidas por ser una de las
formaciones más fuertes de la física, como bloques de construcción en
estructuras sólidas, como se demuestra por su aplicación en los nuevos
desarrollos en la arquitectura y la ingeniería. Las Nubes
Cañones generan un flujo orgánico capaz de formar, reformar,
deformar, formas bellas, sensuales,
siempre en un flujo de recreación
a sí mismas.
LÍNEA DE INVESTIGACIÓN
David Medalla es un artista de múltiples disciplinas y
prácticas polimórficas. Se considera vinculado
con el land art, el arte
cinético, el arte participativo
y el Life art.
BIOGRAFÍA
David Medalla (Manila , Filipinas 1942) vive y trabaja en Londres, Nueva
York y París. Hasta 1954 estudia en Universidad de Colombia y Nueva York.
Desde 1989 ha dado conferencias sobre cultura
global en universidades y
centros por todo el mundo como en el MOMA de Nueva York, en universidad de Amsterdam, Bruselas, Barcelona,
París o Roma.
Fué editor de SEÑALES
(1964-1966) la revista pionera en la crítica de arte. Señales era, en palabras de
Medalla, "una aventura espiritual en la comprensión de la cultura
contemporánea en los campos donde el arte y la ciencia convergen en armonía y
con energía unos a otros“ Y
siguiendo este discurso fundó, junto a Paul Keeler, la
Galería de Señales en Londres en 1964.
Entre sus iniciativas para la colaboración internacional
entre artistas destacan proyectos como " Exploding Galaxy” en 1967 proyecto que se basa en la
confluencia de distintos
artistas multimedia y exploradores de medios, “El Club de Fans de Mondrian" con Adam Nankervis, 1994 y los proyectos
de London Biennale en 2000.
Principales exposiciones:
• En 1963 participa Estructuras
Vivantes: Móviles/Imágenes exposición comisariada
por Paul Keeler en la galería de Redfern en Londres.
• En 1996 la pieza Nube Cañón de Medalla se expuso en la exposición "L'Informe (sin
forma)" comisariada
por Rosalind Krauss y Yve-Alain Bois, en el
Centro Pompidou de París
• En 1972 participó en la
exposición DOCUMENTA 5 en Kassel, Alemania.
WEBGRAFÍA
INTERÉS PERSONAL
Mi primer interés por su obra fue debido al uso de arena,
aunque su funcionalidad me pareció demasiado simple, su conceptualidad radica en su sencillez. Reconocí en ella una elegancia y
una combinación interesante de materiales. Fue más tarde, en la investigación
posterior, cuando me dí cuenta del potencial
conceptual del artista y su obra.
Asimismo no relacioné
las obras Cloud Canyons y Sand Machine, ambas expuestas en Arco 2014 por diferentes galerías,
como propias del mismo artista
hasta completar la investigación. Eso me
hizo reflexionar acerca de la cualidad que comparten para que ambas atrajeran
mi atención.
ARTISTA: Julio
de Parc
TÍTULO: Cformes em Contorsion Sur Trame. 1966
MATERIAL: Madera, metal y serigrafía
TAMAÑO: 122,5 x 122,5 x 20 cm
GALERÍA: Del Infinito Arte.
Buenos Aires Argentina
DESCRIPCIÓN DE LA OBRA
Una banda metálica suspendida por dos varillas que se
mueven por dispositivos mecánicos ocultos y producen cambios en su forma y en
la reflexión óptica que produce al reflejar el fondo rayado.
LÍNEA DE INVESTIGACIÓN
La obra de le Parc fue
para su momento vanguardista, innovadora, audaz; en la misma se utilizan como
elementos de la plástica principalmente aquellos que sorprenden o que sugestionan
a la mirada y a través de ella al
sujeto, por otra parte Le Parc busca involucrar
absolutamente al espectador dentro de la obra.
Para todo ello recurre a iluminaciones artificiales,
efectos especulares, reflejos y movimientos; por ejemplo el fluir de líquidos
fosforescentes, el movimiento de hilos de nylon, sus esculturas en ciertos
casos son genuinas instalaciones que envuelven a los espectadores. Es en los
1960 que Le Parc puede ser considerado
tanto dentro del conjunto llamado Op-art como del arte cinético, e incluso del arte
conceptual, aunque él intenta
transcender tales movimientos y hace, principalmente, un arte
experimental.
BIOGRAFÍA
Nace en Argentina en 1928. En 1957 se inicia en la
realización de una pintura abstractizante. En 1958 resulta becado por el
gobierno francés y se instala en París en donde, en 1960 fundó el GRAV (Groupe de Recherche d'Art Visuel [Grupo
de Investigación de Arte Visual]) al mismo tiempo que se cuenta entre los integrantes del
grupo llamado Nueva Tendencia.
ARTISTA: Rafael
Lozano-Hemmer
TÍTULO: Spheres Packing. 2014
MATERIAL: 203-565 canales de audio, polímero blanco por impresión 3D
TAMAÑO: Varios. De 18 a 35 cm de diámetro de esfera
GALERÍA: Carroll/Fletcher. Londres, UK
DESCRIPCIÓN DE LA OBRA
Unas
esferas con auriculares reproducen sonidos
ininteligibles.
LÍNEA DE INVESTIGACIÓN
Conocido
por sus intervenciones interactivas en espacios públicos en Europa, Asia y
América. Sus instalaciones utilizan tecnologías como la robótica, proyecciones,
sensores y redes de comunicación para interrumpir la homogeneización urbana con
plataformas para la participación.
BIOGRAFÍA
Nacido
en 1967 en la Ciudad de México, es un artista electrónico que trabaja con ideas
de la arquitectura, teatro tecnológico y performance. Vive y trabaja en
Montreal y Madrid.
PREMIOS (selección)
• BAFTA British
Academy Award for Interactive Art, Londres, GB, 2005
• World
Technology Network Award for
the Arts, San Francisco, 2003
International Bauhaus Award, 1er premio, Dessau, Alemania, 2002
